Při pohledu na díla jubilujícího Rembrandta, upřímně řečeno nemilosrdného Caravaggia, nás uchvátí nejen charisma mistrů a škála námětů. Samotná jejich malba, bohatá a hutná ve své koloristické síle, připomíná chuť kyselého, vyzrálého vína s jasným odleskem, který náhodou spadl na dno sklenice. Kontrastní stíny a tajemné světlo hrající na tvářích a předmětech fascinují, jako by diváka ponořily do jiné dimenze. A intrika spočívá ve skutečnosti, že písmo umělců je téměř monochromatické. Umírněné, tlumené barvy, množství tonálních přechodů a podobných odstínů, energická hra šerosvitu – dávají nám pocítit něco víc.

Podle starých japonských umělců není monochromie v malbě rozmarem mistra, ale vědomým krokem k rozvoji „vnitřního vidění“. Ne zjevné, ale skryté se v obraze odhaluje a naladí kontemplátora na duchovní zážitky.

Barevné nebo monochromatické?

Monochrom je přímý význam monochromní malby. Tato technika je založena na jedné barvě a mnoha jejích odstínech. Černá, bílá, šedá jsou věrnými společníky monochromu. Při smíchání poskytují možnost tonální rozmanitosti. Ale achromatické „trio“ může fungovat nezávisle, bez další barvy. V tomto případě to bude krásné tónové písmeno – „grisaille“ (z francouzského slova gris – „šedá“).

Opravdu barevný obrázek nedokáže v člověku vyvolat hluboké myšlenky a zážitky? Schopný! A on volá. Ale monochromatický monochromatický obraz odvádí pozornost od umělého, jasného, ​​okázalého. Umožňuje vidět ne předmět samotný, ale jeho podstatu. Barva vyvolává emoce, sobecky soustřeďuje pozornost na sebe, často narušuje formu, kterou chtěl umělec zvláště zvýraznit, deformuje význam a činí technické techniky neviditelnějšími.

Historie vývoje monochromní malby

Pro světové umění byla monochromní malba odedávna součástí poznání světa, jakýmsi dialogem mezi umělcem a přírodou, nekonečným vesmírem. Klid a klid jsou zprostředkovány psaním inkoustem a vodou ze starých čínských a japonských uměleckých škol. A téměř ve všech případech jde o symboliku, podcenění. Monochromatická malba suiboku (nebo sumi-e), pocházející z 10.–13. století v Číně, se do japonské kultury dostala ve 14. století. Se vší svojí lakoničností, elegancí pružných linií a měkkými, tónovými skvrnami rozmazaného inkoustu na bílém pozadí – monochromatické, ale neobvykle výrazné umění neslo hluboký filozofický podtext.

ČTĚTE VÍCE
Jak přípravek Osmocote působí?

Vznešené, tragické mystice podléhající evropské barokní malbě 17. století bylo blízké zejména technice monochromní malby. Kreativita je toho důkazem:

  • Italští umělci: Giuseppe Crespi, Michelangelo Caravaggio, Domenico Fetti;
  • Španělé: El Greco a Diego Velazquez;
  • Nizozemci: Rembrandt Van Rijn, Jan Vermeer, Gerard Terborch a mnoho dalších mistrů.

Od počátku 20. století došlo k revoluci v celém světovém umění. Od hlubokého zklamání a pohrdání zkušenostmi minulých generací mistrů, útěk do neobjektivity k nové vizuální estetice. A opět se umělec v malbě obrací k monochromii, odtržené od reálného světa a zaměřené na vnitřní prožitky a hluboká přesvědčení. Suprematistická filozofie Kazimira Maleviče dává vzniknout ikonickému černému čtverci na bílém a pak ještě více: jeho bílé geometrické obrazce se rozplývají na světlém pozadí plátna a potvrzují pohyb čistoty, „objektivní bílé přírody“ jako „nejvyšší úroveň kontemplativní stav.”

V „modrých“ a „růžových“ obdobích tvorby Pabla Picassa cítíme, jako by svou kůží přecházeli od bolavého zoufalství studených šedomodrých odstínů k jemnému teplu korálově béžových tónů. A mezi těmito dvěma obdobími se symbolicky objevuje „Dívka na plese“, balancující mezi štěstím a bolestí, životem a nebytím, světlem a temnotou.

Dosud:

*Obrazy slavných umělců jsou převzaty z volného přístupu na internetu a jsou na stránce použity pro vzdělávací účely.